Mona Lisa, pourquoi le tableau le plus célèbre au monde est si petit

Elle s’appelait Lisa Gherardini (1479–1542). Elle venait d’une vieille famille de propriétaires terriens du Chianti. En 1495, elle épouse Francesco del Giocondo, un marchand de soie avec qui elle aura six enfants.¹

Le peintre et biographe Giorgio Vasari écrit en 1550 que Francesco demande à Léonard de Vinci de peindre sa femme. Au XXᵉ siècle, certains en doutent. Puis, en 2005, une note est retrouvée en marge d’un livre à la bibliothèque de l’université de Heidelberg. Écrite en octobre 1503 par Agostino Vespucci, elle mentionne que Léonard travaille à la tête de Lisa del Giocondo.¹

Le récit de Giorgio Vasari, en 1550, fourmille de détails. Il écrit que Léonard travaille quatre ans au portrait et le laisse inachevé, et que l’œuvre est alors chez le roi de France, à Fontainebleau.¹

Il loue les détails qui paraissent vivants : l’éclat humide des yeux, les tons roses qui les entourent, les sourcils qui semblent sortir de la peau poil par poil et une bouche qui ressemble à de la chair. Il affirme même qu’on peut voir battre le pouls dans sa gorge.¹

Il raconte aussi une histoire souvent répétée. Tandis que Lisa pose, Léonard fait appel à des musiciens, des chanteurs et des bouffons pour la distraire et chasser la mélancolie qui gagne si souvent les portraits.¹

Dans sa note de 1503, Agostino Vespucci propose une autre comparaison. Il rapproche Léonard d’Apelle, le peintre de la Grèce antique qui laisse une Vénus inachevée. Léonard, écrit-il, fait de même avec tous ses tableaux.¹

Léonard commence le portrait vers 1503, sans jamais le livrer. Il le garde jusqu’à la fin de sa vie et continue d’y travailler. Selon le Louvre, il demeure inachevé à sa mort. Le roi de France François Iᵉʳ l’achète très probablement en 1518.¹

Une partie de sa magie tient à la technique. Pour donner du mouvement au visage et faire varier le sourire, Léonard pousse la peinture à l’huile plus loin que personne avant lui. Il adoucit les transitions et estompe les contours, un effet appelé sfumato.¹

Dès la seconde moitié du XIXᵉ siècle, des écrivains la décrivent comme une beauté mystérieuse et fatale. La légende d’un secret caché prend forme.¹

Puis, en 1911, le tableau disparaît. Vincenzo Peruggia, un vitrier qui a travaillé au Louvre, le vole. Le vol rend le tableau célèbre dans le monde entier. Quand on le retrouve en 1913, il revient au musée en vedette.¹

Au fil des années où Léonard y travaille, le tableau devient sans doute plus qu’un portrait de Lisa. Le Louvre explique que l’identité du modèle compte peu à peu moins que l’extraordinaire présence physique et psychologique de l’image. Léonard y montre ce qu’il attend de la peinture comme science, capable de recréer la vie elle-même.¹

Le tableau passe de la collection royale française au Louvre. Il est aujourd’hui accroché dans la salle des États.¹

Face au tableau, il est utile de savoir quoi observer. Voici les détails que relève le dossier du Louvre.¹

Le décor. Lisa est assise sur un siège placé presque de côté, devant une balustrade basse. Deux fines colonnes aux extrémités encadrent un vaste paysage de montagnes et de rivières. Une route serpente à gauche, un pont apparaît à droite.

Les vêtements. Sous le vernis jauni se cache une riche tenue florentine. La robe était probablement vert foncé, avec des manches jaunes détachables et une chemise blanche visible à l’épaule. Un grand voile de soie transparente est retenu à la poitrine par des broderies de fil d’or.

Les cheveux. Ils ne sont pas lâchés, contrairement à ce qu’on dit parfois. Quelques mèches tombent de chaque côté du visage. Le reste est noué en chignon sous une coiffe, visible à l’infrarouge.

Le sourire. Il est construit à partir de transitions imperceptibles entre l’ombre et la lumière, réalisées en très fins glacis huileux qui estompent les contours.

Le coin inachevé. Regardez le bas à droite du paysage. Une partie du terrain n’est encore qu’esquissée.

Les couleurs visibles aujourd’hui diffèrent de celles peintes par Léonard. Après sa mort, des restaurations successives recouvrent le panneau d’épaisses couches de vernis. En vieillissant, elles forment un filtre jaune qui transforme toute la palette : le bleu du ciel paraît maintenant vertet plusieurs zones semblent plus sombres qu’autrefois.¹

Un visage par mur. Un portrait peut donner le ton à toute une pièce. Laissez-lui de l’espace dans un couloir, au-dessus d’une console ou au bout d’un passage où son regard croise le vôtre.

Les yeux à hauteur des yeux. Un portrait vous regarde. Placez son centre à environ 145 cm (57 po) du sol. La méthode est dans notre guide sur la hauteur d’accrochage.

Une lumière chaude. Une lumière douce et chaude met en valeur les tons de peau comme les palettes des maîtres anciens.